INVITED PHOTOGRAPHER ALEJANDRO CARTAGENA RECOMMENDS:3 Miradas Mexicanas por Mexicanas

El año 2012 comienza. El mundo se acaba. Por eso comenzaremos el año con un mega post sobre fotógrafas mexicanas. Livia Corona, Daniela Garza e Ingrid Hernández. Tres miradas disímiles sobre el pedazo de tierra llamado México. Primero veamos las imágenes de Livia Corona. Livia (ganadora de la beca Guggenheim Latina) tiene ya en su portafolio una serie de grandes trabajos. El que presentaremos aquí es el denominado Dos Millones de Casas para México.


Un proyecto contundente que denota una nueva dirección en la fotografía Mexicana. Por varios años Livia viajo por diferentes ciudades documentando las particularidades de las periferias urbanas donde se puede observar la forma en que el entorno topográfico se ha transformado.


Su interés no solo radica en mostrar el entorno general sino además presentarnos las diferentes formas de cómo estas dos millones de casas seriales son transformadas por sus nuevos habitantes.


Una forma de documentación de la metamorfosis habitacional que permite lidiar con la esterilidad de estas nuevas ciudades mexicanas que más que brindar un progreso, pareciera en ocasiones condenar a sus habitantes a una vida de problemas.


Segundo veamos el trabajo llamado Fractura de Daniela Garza. Oriunda de Monterrey, Daniela ha venido desarrollando un proyecto que nos presenta con una perspectiva un tanto distinta de las casas mexicanas de Livia. Monterrey, capital del estado de Nuevo León, al norte de México, ha caído víctima de la violencia entre carteles de la droga y las fuerzas municipales y federales. Esto ha generado un tipo de éxodo entre los habitantes de algunas zonas del área metropolitana.


Daniela se tomó la tarea de documentar los espacios residuales de este fenómeno, presentándonos imágenes de espacios donde el tiempo parece haberse detenido por completo.


Muchos de los que han decidido emigrar, ya sea por miedo o por una amenaza directa, han abandonado sus vidas por completo. Perdiendo contacto con familiares y amigos para así “garantizar” su nuevo escondite en EUA u otro estado de la República Mexicana. Es así que estas casas terminan siendo también víctimas de la violencia.



Por último veamos el trabajo Tijuana Comprimida de Ingrid Hernández. Ingrid, una fotógrafa, educadora y ganadora de varios premios por sus series fotográficas, trabajó por un año en el asentamiento Nueva Esperanza en su ciudad natal de Tijuana.


Allí exploró la forma en que estos espacios informales son construidos o ensamblados por personas que han llegado de otras partes de México y de Latinoamérica. En su proceso de realización se dio a la tarea de entrevistar a los habitantes y así conocer algunas de las historias detrás de dichos espacios.


Su ensayo fotográfico parece exaltar la habilidad de supervivencia del ser humano así como la necesidad de una espacio propio. Los materiales usados en estas construcciones connotan el peregrinaje de sus habitantes para lograr un lugar llamado casa.


Pareciera irónico que estas tres realidades se den en un mismo país y en un mismo tiempo. Hay los que transforman lo poquito que tienen, los que abandonan todo y los que con migajas construyen su “sueño americano”. Una realidad alentadora y al mismo tiempo cruel con la cual nos enfrentamos a diario pero que en ocasiones no deseamos ver. Lo bueno es que existen estas tres grandes fotógrafas que lo han grabado en sus imágenes mostrándonos así su opinión sobre estos diferentes Méxicos.

Alejandro Cartagena
Monterrey N.L.
www.alejandrocartagena.com 
www.liviacorona.com
www.ingridhernandez.com.mx
www.danielagarza.net 
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3 Mexican Looks by Mexican Women

The year 2012 begins. The world ends. That´s why we´ll start the year with a mega post on Mexican photographers. Livia Corona, Daniela Garza and Ingrid Hernandez. Three different looks on the piece of land called Mexico.

First we see the images of Livia Corona.
Livia (winner of a Guggenheim Latin Fellowship) has already in her portfolio a number of large jobs. The one presented here is called Two Million Homes for Mexico.
It is an innovative project that denotes a new direction in Mexican photography. For several years she traveled to different cities documenting the characteristics of urban neighborhoods where people can observe how the topographical environment has changed.
Her interest is not only showing the general environment but also to introduce us to different forms of how these two million serial homes are transformed by their newcomers. The way of documenting the housing metamorphosis is that it allows dealing with the sterility of these new Mexican cities rather than providing a progress that sometimes seems to condemn its people to a life of problems.

Second we see the work called fracture by Daniela Garza .
A native of Monterrey, Daniela has developed a project that presents us with a somewhat different perspective of Mexican households from Livia. Monterrey, capital of Nuevo Leon in northern Mexico, has become a victim of violence between drug cartels and municipal and federal forces. This has generated a kind of exodus among the habitants of some parts of the metropolitan area. Daniela took the task of documenting the residual spaces of this phenomenon, presenting to us images of spaces where time seems to have stopped completely. Many who have chosen to emigrate, either by fear or a direct threat, have abandon their lives completely. Losing touch with family and friends in order to "guarantee" their new hiding place in the United States or another state in Mexico. Thus, these homes also end up being victims of violence.

Finally we see the work Compressed Tijuana by Ingrid Hernandez .
Ingrid, a photographer, educator and winner of several awards for her photographic series, worked for a year in the New Hope settlement,her hometown of Tijuana. There she explored how these informal spaces are constructed or assembled by people who have come from other parts of Mexico and Latin America. In the process of completion, she began the task of interviewing people and getting to know some of the stories behind these spaces. Her photography essay seems to exalt the ability of human survival and the need for personal space. The materials used in these constructions connote the pilgrimage of the people to achieve a place called home. It seems ironic that these three realities are given in the same country and at the same time.

There are those who transform with the little things they have, the ones that drop everything and the ones that with crumbs built their "American dream". An encouraging reality and at the same time cruel. A reality, which we face every day but sometimes, we do not want to see.

The good news is that there are these three great photographers who have recorded this in their images showing us their opinion on these different Mexicos.

Alejandro Cartagena
Monterrey N.L.
www.alejandrocartagena.com 
www.liviacorona.com 
www.ingridhernandez.com.mx
www.danielagarza.net

WE RECOMMEND: Neil Craver






En su juventud en Carolina del Norte, Neil comenzó su camino como un pintor abstracto y escultor figurativo, su motivación creció de su interés por los efectos psicofísicos del croma.La fotografía contiene todos los valores intrínsecos de todas las demás artes, pero se diferencia en el hecho que es el fundamento de la existencia. Sus creaciones son la exploración de sus instalaciones interiores, en la búsqueda del conocimiento contemporáneo que expresa"ideas originales". "Nada puede existir sin el fotón (partícula de luz que se propaga en el vacío.), y cada aspecto es controlado por su uso" 
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As a youth in North Carolina; I begun my path as an abstract painter and figurative sculptor; my motivation grew from my interest of psychophysical effects of chroma. Photography holds all the intrinsic values of all the other arts; but differers in the fact the it’s the foundation of existence. My creations are the exploration of my inner facilities; in the pursuit of contemporary knowledge expressing “original thoughts”.   “Nothing can exist without the photon, and every aspect is controlled by it’s usage”

HISTORY OF PHOTOGRAPHY:Serguéi Mijáilovich Prokudin-Gorskii







Serguéi Mijáilovich Prokudin-Gorskii(1863-1944) dedicó su carrera al avance de la fotografía. Nació en Funikova Gora, en el Óblast de Vladímir, Rusia en 1863 y se formó como químico. De sus resultados surgieron las primeras patentes de películas positivas en colores y de proyección de películas con movimiento. Hacia 1905, Prokudin-Gorskii concibió el gran proyecto de documentar, con fotografías en colores, la enorme diversidad de historia, cultura y avances del Imperio ruso, para ser utilizado en las escuelas del imperio. Su proceso utilizaba una cámara que tomaba una serie de fotos monocromáticas en secuencia muy rápida, cada una a través de un filtro de color diferente. Al proyectar las tres fotos monocromáticas con luz del color adecuado era posible reconstruir la escena con los colores originales. Sin embargo, no disponía de mecanismo para realizar impresiones de las fotos así obtenidas. 
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Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii(1863-1944) devoted his career to the advancement of photography. Born in Funikova Gora, in the Vladimir Oblast, Russia in 1863 and trained as a chemist. From their findings are the first patents for color positive films and films with movement. By 1905, Prokudin-Gorskii conceived the great project to document, with color photographs, the enormous diversity of history, culture and progress of the Russian Empire, to be used in schools of the empire. In his process he used a camera that took a series of monochrome photos in very quick sequence, each through a different color filter.By projecting all three monochrome pictures in the appropriate color light made it possible to reconstruct the scene with the original colors. However, no mechanism for printing the pictures was obtained.

ON PHOTOGRAPHY:Interview with Leandro Katz



Leandro Katz es un fotógrafo de Argentina quien vendrá a impartir una charla el jueves 2 de febrero a La Fototeca. Aqui esta la entrevista que nos dio para el blog. 

Antes de empezar queremos agradecerte la oportunidad de entrevistarte. Primero quisiera preguntarte  cómo empezaste en la fotografía? 
Mi interés en la fotografía comienza en mi adolescencia creciendo cerca de la fotógrafa argentina Grete Stern y su familia. Luego crece aun mas cuando la veo trabajar en el Chaco argentino, fotografiando a las comunidades indígenas de la región. Comienzo a trabajar seriamente cuando me radico en Nueva York y logro comprar unas cámaras decentes. Eso es ya en los setenta, cuando mis trabajos comienzan a florecer.   

¿Qué es lo más importante para ti a la hora de tomar o hacer una fotografía?  
En ese período, comienzo a diferenciar a la actividad del fotógrafo con un rigor conceptual entre la caza y la agricultura... Es decir, no salgo con la cámara a ‘cazar’ imágenes, sino que me propongo un proceso dentro del cual decido dedicarme a una idea o una imagen específica. De allí surgen los ‘proyectos’ dentro de los cuales me limito a fotografiar únicamente lo relacionado con un tema, sujeto o concepto. Es decir, es una investigación sobre la naturaleza de la fotografía.


¿De donde vienen la inspiración para realizar tus fotos? 
Surge de una reflexión teórica que ha sido internalizada y que por lo general tiene que ver con el lenguaje, la historia y el poder de la representación. 

Dentro de tus proyectos destacan particularmente los alfabetos, de dónde nació este proyecto. 
Encuentras alguna relación entre Camnitzer y tu obra?
Los alfabetos vienen de un interés en el lenguaje, especialmente en los lenguajes antiguos que incorporan la imagen en su estructura. De alli mi interés en los jeroglíficos, especialmente mi atracción a los códices y estelas maya. Camnitzer es un antiguo colega. Le gusta mi obra, y creo que ha escrito sobre ella. 


¿A que fotógrafos o artistas admiras y por qué?
La lista es enorme, pero la mayoría, como Cartier Bresson, son –en mi clasificación conceptual– cazadores de imágenes. Por eso me gustan mucho mas los fotógrafos que inventan procesos y posturas y que investigan como por ejemplo Muybridge. 

¿En que proyectos estas trabajando actualmente?

Desde que volví a radicarme en Buenos Aires estoy recuperando –con cierto asombro– trabajos que había dejado de lado hace mucho tiempo. Y por cierto estoy filmando y editando nuevos proyectos. Me gusta mucho el ensayo documental como género.


¿Cuál crees que sea la importancia de las nuevas tecnologías durante el proceso creativo?  
Me llevo bien con las nuevas tecnologías, con la fotografía y el cine digital. Sin embargo, luego de haber trabajado durante tantos años en fotografía y cine analógico, veo el enorme abismo que hay entre estas experiencias. Por cierto no extraño para nada los vapores tóxicos del antiguo cuarto oscuro, aunque debo reconocer que había algo de magia y de alquimia en los rituales del fotógrafo que trabajaba con lo ‘mojado’. Y creo que no cambiaría jamás la experiencia de estar en medio de la noche fotografiando ruinas mayas con la técnica de flash abierto, por la alternativa de estar sentado trabajando en formato digital...!



¿Qué consejos les puedes dar a los nuevos fotógrafos o fotógrafos que están empezando?
Pensar, leer, mirar... 

¿Cómo ha sido tu experiencia en Guatemala?   
Mis experiencias en Guatemala fueron muchas y de muchos viajes y muchos años de trabajar en tu maravilloso pais. Una experiencia que comienza en 1963 y luego sigue cuando había que llegar a Tikal en canoa, para ser retomada mas tarde con el Proyecto Catherwood, y aun mas tarde con las filmaciones en Quiriguá y las plantaciones bananeras. Me alegra tanto volver a estar por alli pronto, y con mis nietos! 

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Leandro Katz is a photographer from Argentina who is giving a talk on Thursday, February 2 at La Fototeca. 

Here is the interview he gave us for the blog. 
Before we start, we would like to thank you for the opportunity to interview you, it´s a great pleasure.First I'd like to ask you when did you become interested in photography? 

My interest in photography began in my teen years growing up in Argentina close photographer Grete Stern and her family. Then it grew even more when I saw her work in the Argentine Chaco,while photographing indigenous communities in the region. I started working seriously in photography when I settled in New York and managed to buy a decent cameras. That was in the seventies, when my work began to flourish. 

What is most important to you at the time of taking or making a photograph? 
During this period, I began to differentiate the activity of the photographer with a conceptual rigor between hunting and farming ... I mean I don´t go out with the camera to 'hunt' images, but I plan a process within which i decide to devote myself to an idea or to a specific image. From that point the 'projects' arises but I just limit myself to photograph only the things related to a topic, subject or concept. That is, an investigation into the nature of photography. 

Where does the inspiration come for your photos? 
It arises from a theoretical reflection that has been internalized and that usually has to do with language, history and the power of representation. 

Within your projects stands out particularly the alphabets, where was this project born? Do you find any relationship with Camnitzer an your work? 
The alphabets came from an interest in language, especially in the ancient languages that incorporate the image in its structure. From there I find my interest in  hieroglyphs, especially in the Mayan  codices and stelae. Camnitzer is an old colleague. He likes my work, and I think he has written about it. 

What photographers or artists admire you and why? 
The list is huge, but I mainly like Cartier Bresson,although, in my conceptual classification he is an image-hunters. That’s why I like much more photographers who invent processes and positions and  turn their work into an investigation, like Muybridge did. 

What projects are you working on now? 
Since returning to settle in Buenos Aires I’m recovering-with some wonderment,work that I had put aside a long time ago. And at the same time I'm shooting and editing new projects. I like very much the documentary essay as a genre. 

What do you think is the importance of new technologies during the creative process?
 I get along well with new technologies, digital photography and film digital. However, after having worked for many years in analog photography and film, I see that there is a huge abiss between these experiences. I certainly don’t miss anything about the toxic fumes of the old dark room, though I must admit there was some magic and alchemy in the rituals of the photographer who worked with wet materials. However, I would never change the experience of being in middle of the night photographing Mayan ruins with the technique of an open flash, for the alternative of working on digital format in front of the computer.

What advice would you give new photographers or photographers who are starting out? 
To think, read, watch 

How was your experience in Guatemala? 
My experiences in Guatemala were several from many trips and many years of working in your wonderful country. An experience that began in 1963 and that continued when I had to get to Tikal in a taken up later with the Catherwood Project, and even later with filming in Quirigua and in the banana plantations. I'm so glad to be back in Guatemala soon, and with my grandchildren!

Guatemala 2012

INVITED PHOTOGRAPHER KATRINA D'AUTREMONT RECOMMENDS:Sarah Stolfa







Me gusta la idea de la no-lineal de la vida. Vidas que no van desde el nacimiento hasta la muerte pasando las rutas tradicionales: escuela-trabajo - universidad-niños-jubilación-nietos, etc También me gusta la fotografía que sigue una trayectoria no lineal. 

Y creo que es por eso que me siento atraída por la obra de la fotógrafa Sarah Stolfa. Ella es más conocida por su serie de los Regulares, las imágenes que tomó de los clientes que frecuentaban el bar donde trabajaba en ese momento, pero las imágenes que más me llaman la atención son de su serie Untitled. Ella comenzó su trabajo cuando estaba en la escuela de posgrado en Yale, y continuó después de salir y emprender un viaje a través de los Estados Unidos en un autobús Greyhound. 

Algunas de las imágenes son fabricadas y otras no lo son. La verdad de la imagen no era lo importante para ella. Ella tenía una idea que quería fotografiar, alguien que consigue un baile en las piernas o un derby de demolición. Ella iba a buscar estas cosas, ya fuera haciendo un montaje o tropezandose con estas situaciones. Me gusta la idea de que una imagen pueda mantener su propio significado y que siedo parte de una serie no significa que tiene que ser igual que las otras fotografías de la serie. 

Sarah es un personaje interesante. En un momento ella estaba entrenando para ser boxeadora, era un mesera, y estaba aprendiendo de fotografía. Ahora su vida se ve un poco diferente, es madre y directora del Centro de Arte de Filadelfia, pero Sarah todavía representa para mí el ideal al azar de las imágenes hasta su final, lo cual es lo que yo tanto admiro.

Katrina d'Autremont 
www.katrinadautremont.com
Gallery 339: http://bit.ly/ylCI74 
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I like the idea of non-linear lives. Lives that don’t go from birth to death following traditional paths: school-college- job-kids-retirement-grandkids, etc. I also like photography that follows a non-linear path.

Which I think is why I am drawn to the work of photographer Sarah Stolfa. She is most well known for her series the Regulars, pictures she took of the patrons who frequented the bar where she worked at the time, but the images that most call to me are from her Untitled series. She started this work when she was at graduate school at Yale, and it continued after she left and set out on a journey on across the United States on a greyhound bus.

Some of the images are fabricated others are not. The truth of the image was not what was important to her. She would have an idea that she wanted to photograph- someone getting a lap dance or a demolition derby. So she would go and find those things, either staging it or stumbling upon them.

I like the idea that an image can hold its own and that being part of a series doesn’t mean that it has to be just like the other photographs in the series.

Sarah, in and of herself, is an interesting character. At one point she was training to be a boxer, she was a bartender, and learning photography. Now her life looks a little different, a mother and the director of the Philadelphia Photo Arts Center, but Sarah still embodies to me the haphazard ideal of following ideas to their end that I so admire.

Katrina d'Autremont
www.katrinadautremont.com
Gallery 339: http://bit.ly/ylCI74 

EVENTS ON PHOTOGRAPHY:Parábola


Mujeres en las Artes presentan "Parábola" el 01 de Febrero a las 7:00 pm en Barrio La Plazuela.Ave. Cervantes Centro Histótrico de Tecucigalpa, Honduras.

La Asociación Mujeres en las Artes (MUA), fue creada en 1995, es una asociación civil que orienta sus acciones como una organización privada sin fines de lucro de carácter educativo, especializada en el desarrollo de estrategias y políticas que generan la incorporación de instituciones e iniciativas individuales y de grupos al desarrollo nacional, con énfasis en la evidencia y toma de conciencia del papel activo de la mujer en el arte, la cultura y el desarrollo social de Honduras, proyecta la producción, la gestión y la investigación artística y cultural. La finalidad institucional de MUA, es generar espacios de inserción para la producción artística a nivel nacional e internacional, así mismo impulsar propuestas de Política Cultural en materia de Arte y Educación en Honduras. MUA se pronuncia a nivel nacional e internacional a partir de un discurso artístico que habla de la representatividad en el encuentro del arte con la cultura desde un espacio abierto para la discusión y la reflexión. 

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Women in the Arts presents "Parábola" on february 1st at 7:00pm at arrio La Plazuela.Ave. Cervantes Centro Histótrico de Tecucigalpa, Honduras

Women in the Arts "Leticia de Oyuela" (MUA), is a civil association created in 1995, that orients its actions as a private organization without profit aims of educational character, specialized in the development of strategies and politics that generate the incorporation of institutions, individual initiatives and of national developmental groups. All with emphasis in the evidence and taking of conscience of the active role of the woman in the arts, culture, social development of Honduras, production projection, the management and artistic and cultural investigation.

ON PHOTOGRAPHY:CALL FOR SUBMISSIONS:It's a Thin Line between Love and Hate



Bienvenidos a "Es una delgada línea entre el amor y el odio" - United Photo Industries invita a explorar los temas gemelos, amor y odio. 

Los fotógrafos están bienvenidos a enviar imágenes individuales o series de imágenes explorando las cuestiones relacionadas con el amor, el odio, y el terreno accidentado entre ellos -, así como una declaración del artista sobre el trabajo (si aplica). Cada imagen presentada se considerarán automáticamente para ambos segmentos de exposición y pueden ser elegidos para su inclusión en uno (o ambos) shows Las obras seleccionadas serás impresas y producidas en colaboración con Conveyor Print Space a costo de ellos. Los artistas participantes están invitados a ofrecer impresiones. 

* Tenga en cuenta: hay una cuota de $ 25 por seis imágenes presentadas 
* Las exposiciones tendrán lugar en las industrias de fotos HQ (111 Front Street, Suite 204 | DUMBO, Brooklyn) - de 2 febrero a 28 febrero. Fecha límite de presentación: Viernes, 20 de enero Las recepciones de apertura: AMOR - 2 de febrero | ODIO - 16 de febrero 
Ir aquí para presentar su trabajo http://unitedphotoindustries.submishmash.com/submit 
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Welcome to "It's a Thin Line between Love and Hate" - United Photo Industries' two-part photo invitational exploring the twinned themes of Love &; Hate. 

Photographers are welcome to submit individual images or image series exploring issues related to Love, Hate, and the rugged terrain between them - as well as an artist statement about the work (if applicable). Each submitted image will be automatically considered for both exhibition segments and may be chosen for inclusion in either (or both) shows. Exhibition prints of the selected work will be produced in partnership with Conveyor Print Space at our expense. Participating artists are welcome to provide match-prints. 

* Please note: there is a $25 fee per 6 images submitted 
* The exhibitions will take place at United Photo Industries HQ (111 Front Street, Suite 204 | DUMBO, Brooklyn) - from February 2 to February 28. Submission Deadline: Friday, January 20 Opening Receptions: LOVE - February 2 | HATE - February 16 

On Photography: CALL FOR SUBMISSIONS: A REVISTA #2




CONVOCATORIA: A Revista # 2 TEMA DE LA SEGUNDA EDICION: "LO QUE QUEDA" Fecha límite: 11/february/2012

A REVISTA es una revista en línea, con un tema por edición.Es concebida, diseñada y producida por el blog de modobulb y por un editor independiente. Presenta 5-6 portafolios por número de artistas brasileños y extranjeros acompañados de textos y entrevistas.Nuestro objetivo es crear un punto de partida para los debates en torno a temas de actualidad, utilizando la fotografía como el principal vehículo de comunicación. Para la segunda edición que invitamos a fotógrafos a que presenten su trabajo Si todavía no has visto la revista A REVISTA, por favor visite:. Arevista.org 

Para enviar tu trabajo: 
Las propuestas deben enviarse a: modobulb (at) gmail.com (correo electrónico Asunto: CONVOCATORIA / A REVISTA / TU NOMBRE Y APELLIDO) 
Para tomar en consideración su trabajo, por favor envíenos entre 12 y 25 imágenes por correo electrónico en una carpeta zip o presentación en PDF. Las imágenes deben ser guardadas en RGB jpg a 72 dpi y 640 píxeles por el lado más largo de la imagen. 

ENVÍEN TAMBIÉN LA SIGUIENTE INFORMACIÓN CON SU PRESENTACIÓN 
1. Título de serie
2. Por favor nombren las fotografías nombre_apellido_01.jpg
3. Fecha de obras
4. Un breve ensayo sobre su trabajo, ¿por qué creer que este cuerpo de trabajo se relaciona con el tema de la próxima edición, así como una breve biografía (no más de 300 palabras cada uno)
5. Dirección URL de su sitio web (si tiene uno)
6 Importante:.. No hay que esperar una retroalimentación crítica sobre su trabajo. Ellos confirmarán la recepción de la documentación presentada y evaluará la idoneidad de la edición del contenido general, se pondrán en contacto si su solicitud es seleccionada.
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ISSUE 2 THEME: “WHAT REMAINS”
Deadline: 11/february/2012

A REVISTA is an online magazine, with a theme by issue. Conceived, designed and produced by modobulb blog and independent publisher. Presents 5 to 6 portfolios per issue of Brazilian and foreign artists accompanied by texts and interviews. We aim to create a starting point for discussions around contemporary issues, using photography as the main vehicle of communication. For the second issue we invate photographers to submit their work. If you still have not seen the mag A REVISTA, please visit: arevista.org 

To submit your work:
Submissions should be sent to: modobulb (at) gmail.com (EMAIL SUBJECT: CONVOCATORIA / A REVISTA /  YOUR FIRST AND LAST NAME)
To submit your work for consideration, please send us between 12 and 25 images via email in a zip folder or PDF presentation. Images must be saved in RGB jpg at 72 dpi and 640 pixels along the longest side of the image.

PLEASE ALSO SEND US THE INFORMATION BELOW WITH YOUR SUBMISSION 
1.     Series title
2.     Please name the images firstname_lastname_01.jpg (in sequence) (eg michael_jackson_01.jpg)
3.     Date of works
4.     A short essay on your work, why do you believe that this body of work relates to the theme of the next issue, as well as a short biography (no more than 300words each)
5.     Address your site’s URL (if you have one)
6.     Important: Do not expect a critical feedback about their work. We will confirm receipt of the material submitted and assess the adequacy of the general content editing, just go back to get in touch if your entry is selected.

http://modobulb.com/arevista/

EVENTS ON PHOTOGRAPHY:Lanzamiento RARA 6


Revista RARA lanza su edición numero 6 el jueves 26 de enero con un coctel/exposicion en Sol del Rio  (14 avenida 15-56 zona 10)
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RARA magazine launches its edition number 6 on Thursday January 26th with a cocktail party/exhibition at Sol del Rio (14 avenida 15-56 zona 10)




HISTORY OF PHOTOGRAPHY: Lady Clementina Hawarden






Clementina Maude, Viscountess Hawarden (junio 1, 1822 a enero 19, 1865), comúnmente conocida como Lady Clementina Hawarden era una fotógrafa de retrato de la década de 1860. Se inicio en la fotografía a finales de 1857 o principios de 1858, mientras vivía en la finca de la familia de su esposo en Dundrum, Irlanda. Su traslado a Londres en 1859 le permitió establecer un estudio en su casa elegante de South Kensington. Allí tomo muchos de los retratos que la caracterizaron y por los cuales es recordada,muchos de los cuales incluyen a sus hijos. La vizcondesa Hawarden expuso por primera vez en la exposición anual de la Sociedad Fotográfica de Londres en enero de 1863 y fue elegido miembro de la Sociedad. Su trabajo fue ampliamente reconocido por su "excelencia artística", ganando la medalla de composición en la exposición. Lewis Carroll, también fotógrafo, era un admirador del trabajo de Hawarden. Una coleccion de sus retratos se encuentran en el Victoria and Albert Museum, Londres. 
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Clementina Maude, Viscountess Hawarden (1 June 1822 – 19 January 1865), commonly known as Lady Clementina Hawarden was a noted portrait photographer of the 1860s. She turned to photography in late 1857 or early 1858, whilst living on the estate of her husband's family in Dundrum,Ireland. A move to London in 1859 allowed her to set up a studio in her elegant home in South Kensington. There she took many of the characteristic portraits for which she is principally remembered, many of which include her children. The Viscountess Hawarden first exhibited in the annual exhibition of the Photographic Society of London in January 1863 and was elected a member of the Society. Her work was widely acclaimed for its "artistic excellence", winning her the medal for composition at the exhibition. Lewis Carroll, also a photographer, was an admirer of Hawarden's work.A collection of her portraits is held by the Victorian and Albert Museum, London

WE RECOMMEND : José Bassit







José Bassit nació en 1957, en la ciudad de São Paulo. Ha sido fotógrafo de una revista desde 1985, y ha tenido sus obras publicadas por los principales diarios y revistas de Brasil. En 2003, editó el libro "Fotos y Fiéis", sobre la religión del pueblo brasileño y la fe. Sus obras integran el patrimonio de instituciones como la Pinacoteca do Estado de São Paulo y el Museo de Arte de São Paulo. 
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José Bassit was born in 1957, in São Paulo city. He is been a photo-journalist since 1985 and, he has had his works published by the main Brazilian newspapers and magazines. In 2003, he edited the book “Imagens Fiéis”, on the Brazilian people’s religion and faith. His works compose the patrimony of institutions such as the Pinacoteca do Estado de São Paulo and the Museu de Arte de São Paulo. 

PHOTOBOOK COLLECTION: Topologies by Edgar Martins








"Topologías" es el libro del fotógrafo portugués Edgar Martins. Las imágenes, que se abstienen de cualquier manipulación digital, fueron tomadas en Portugal e Islandia, donde se centrarse en lo que podria ser los lugares y escenas menos pensadas para ser fotografiadas como: paisajes áridos sin materias tradicionales. En su lugar, opta por lugares fríos, aislados. Sus imágenes son un recordatorio para el espectador que estos paisajes fantasmales, de otro mundo son, en última instancia, los retratos de su casa.  
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"Topologies" is the book of Portuguese photographer Edgar Martins.The images, which abstain from any digital manipulation, were taken in Portugal and Iceland and focus on what may be the world's least photographic scenes: barren landscapes with no conventional subjects. Instead, he opts for cold, isolated locations. His images are a reminder to the viewer that these ghostly, otherworldly landscapes are, ultimately, portraits of home.


http://www.edgarmartins.com